La Dogaresa
Música de Rafael Millán
Letra de A. López Monis
Estreno en Mollet del Vallès (Barcelona).
Teatro Municipal de "Can Gomá" el 20 de Marzo de 1999.
El Argumento
Letra de A. López Monis
Estreno en Mollet del Vallès (Barcelona).
Teatro Municipal de "Can Gomá" el 20 de Marzo de 1999.
El Argumento
El libreto de Antonio López Monís, musicado por Rafael Millán, plantea, una vez más, la historia de la pobre chica a quien hacen casar por la fuerza con un viejo muy poderoso; pero al final el verdadero amor triunfa y puede casarse con su joven enamorado que suele ser un chico de pueblo, en este caso un gondolero. Tal como sucede en otros libretos, el amor cortés tiene su correspondencia en el amor popular. En esta ocasión se trata de un espadachín calzonazos, Marco, y de su mujer Rosina, astuta e intrigante. Tampoco no es nuevo el hecho de que, el que parece de entrada el malo, acabe siendo el más noble, porque se sacrifica para hacer feliz a la mujer que quiere, aunque lo pierda todo, hasta su propia vida. Este es Miccone, el bufón de la corte, hombre amargado porque se gana la vida haciendo reír a la gente con sus deformidades.
La novedad de esta historia es que transcurre en la Venecia ducal. Este contexto ha inspirado la puesta en escena y la versión de la Dogaresa que aquí presentamos. La acción transcurre en un pueblo italiano, a finales del siglo XVIII, donde una compañía de cómicos ambulantes pone en escena, mediante máscaras de la Comedia del Arte, una historia de abusos señoriales y de amores plebeyos. El señor es el Dux de Venecia, viejo caduco que hace prevalecer el derecho señorial a la hora de tomar esposa y escoge a Marietta, una joven de cándida enamorada del gondolero Paolo, el cual se jugará la vida para salvar a su amada. Un amor tan noble solo comparable al que siente el bufón Miccone por Marietta. Marco y Rosina son amigos de Paolo y urdirán un plan para ayudarlo y salvar a Marietta valiéndose de la avaricia de Zabulon, viejo mercader sin escrúpulos al servicio de Miccone.
La novedad de esta historia es que transcurre en la Venecia ducal. Este contexto ha inspirado la puesta en escena y la versión de la Dogaresa que aquí presentamos. La acción transcurre en un pueblo italiano, a finales del siglo XVIII, donde una compañía de cómicos ambulantes pone en escena, mediante máscaras de la Comedia del Arte, una historia de abusos señoriales y de amores plebeyos. El señor es el Dux de Venecia, viejo caduco que hace prevalecer el derecho señorial a la hora de tomar esposa y escoge a Marietta, una joven de cándida enamorada del gondolero Paolo, el cual se jugará la vida para salvar a su amada. Un amor tan noble solo comparable al que siente el bufón Miccone por Marietta. Marco y Rosina son amigos de Paolo y urdirán un plan para ayudarlo y salvar a Marietta valiéndose de la avaricia de Zabulon, viejo mercader sin escrúpulos al servicio de Miccone.
Teatro dentre del Teatro (Metateatro)
Los personajes de La Dogaresa son arquetipos, es decir, son símbolos de ideas, encarnación de modelos o patrones sobre conceptos comúnmente aceptados, la avaricia, la justicia, la chulería, el amor, etc... No tienen, por tanto, desarrollo psicológico ni característico. Es por eso que se han trabajado como arquetipos, inspirándonos en los personajes de La Comedia del Arte, pero sin acabar de entrar en este genero caracterizado por los lazzi, es decir por las improvisaciones de las mascaras, que hacen de actores y al publico popular y espontáneo que sigue des de las gradas la representación. Es un publico agradecido que participa de la historia y se entusiasman con sus héroes y sus heroínas. La Dogaresa es una función de teatro dentro de otra función de teatro, la que ven los espectadores del teatro al aire libre y la que ven los espectadores de la sala del teatro. Esto es como un juego de espejos, los dos públicos se miran y se sienten partícipe al mismo tiempo del espectáculo que sucede en el teatrillo del escenario. ¿ Para quien actúan los actores?. ¿ Quién son los actores y quien son los espectadores?. Esta historia se sabe cuando empieza, pero no cuando se acaba, porque no se acaba de saber que es real y que es reflejo, imagen, ficción.
Los Personajes
Los personajes se inspiran y se caracterizan como las mascaras de la Comedia del Arte. Los sirvientes son Arlequino y los cuatro pajes que van como los Zannis, con la mascara y el vestido blanco como todos los criados. Arlequino es la mascara más emblemática del teatro, es listo, audaz y de una gran agilidad tanto mental como física. Su vestido blanco se fue estilizando hasta llegar al vestido de rombos de colores que hoy todos reconocen. Rosina es como la Colombina, espabilada, astuta y seductora, tiene mas de criada que de señora. Marietta, en cambio, corresponde mas al tipo de enamorada, una mujer florera. Marco, el espadachín es el Capitano Spavento, ridiculización de militares españoles, opresor de Italia durante el siglo XVI y XVII. Es el prototipo de chulo que habla mucho pero que es un cobarde. Paolo es el criado Pedrolino que se convirtió en Pierrot, de la mano de Molière, a mediados del siglo XVII. En contraposición con la alegría y viveza de Arlequino, Pierrot es un criado sensato, quieto y sensible. Miccone, el bufón del Dux, esta caracterizado como Pulcinella, una marioneta sin carácter individual que encarnaba el espíritu de la colectividad a la cual se dirigía. Era un tipo de repertorio, procedente de Nápoles que podía reproducirse extensamente, adaptándose a aquello que del se esperaba. Juntamente con Arlequino es el personaje más emblemático de la comedia Italiana, pero el personaje mas constante y quizá él más importante de este género es Pantalone, viejo comerciante veneciano, avaricioso, decrépito y libidinoso que en la historia de la Dogaresa se llama Zabulón. Los personajes de la Comedia del Arte pervivieron desde el siglo XVI al siglo XIX a todos los teatros de Europa, y obtuvieron el máximo esplendor durante la época barroca (siglos XVII-XVIII).
Marta Busquets
El Espacio Escénico
La escenografía es compuesta de cuatro segmentos de graderías, de tres niveles cada una, que se sitúan simétricamente a los laterales de un teatrillo centralizado de 3m x 3m. Este teatrillo esta formado por una tarima y un fondo de escenario con telones pintados a mano con escenas venecianas. El color de las gradas y la tarima es de color rojo veneciano, combinado con el color de la madera natural.
Esta escenografía tiene un planteamiento totalmente pictórico ya que responde a la perspectiva euclidiana de la pintura renacentista, con el punto de fuga central, es decir, cerca del realismo perceptivo en el orden de las figuras y objetos en el espacio, una convención que en pintura a llegado hasta el siglo XX y en el teatro ha configurado la mayoría de las salas de teatro, que por eso reciben el nombre de teatro a la italiana.
Esta escenografía tiene un planteamiento totalmente pictórico ya que responde a la perspectiva euclidiana de la pintura renacentista, con el punto de fuga central, es decir, cerca del realismo perceptivo en el orden de las figuras y objetos en el espacio, una convención que en pintura a llegado hasta el siglo XX y en el teatro ha configurado la mayoría de las salas de teatro, que por eso reciben el nombre de teatro a la italiana.
Diseño de Decorados
Con la técnica de la acuarela se ha querido plasmar sobre papel un puro mosaico de diferentes colores y aguadas, jugando con tonalidades azuladas, rojizas y amarillentas, a fin de evocar una atmósfera brumosa y reflejar el misterioso encanto de la ciudad de Venecia. Por la vía de la línea se han perfilado con pigmentos negras las formas curvilíneas las cuales han insinuado la perspectiva y han descubierto la silueta veneciana. Los temas pintados son: La plaza de San Marco, dibujo en el que predominan los colores terrosos; el interior de un palacio veneciano, de líneas sueltas y colores cálidos y el puente de los Suspiros, construcción emblemática de Venecia, por dónde pasaban los condenados a muerte antes de ser ejecutados, por este motivo se ha escogido este dibujo, en el qué predominan las tonalidades azuladas, como cartel de La Dogaresa. Finalmente hay un boceto que refleja la puesta en escena que hace la Compañía de Zarzuela de Mollet de La Dogaresa. Es una acuarela desenfadada, llena de color y viveza que ilustra una actuación de los comediantes de la Comedia del Arte y de su público dentro del propio teatro.
Anna Comadrán
Aspectos musicales
La Dogaresa es la séptima producción llevada a cabo por la "Compañía de Zarzuela de Mollet del Vallès" en los casi diez años de actividad. Una actividad ininterrumpida año tras año y que habiendo dado ya los frutos de Los Gavilanes (1992), La Tabernera del Puerto (1993), Canción de Amor y de Guerra (1994) y La Leyenda del Beso (1996) nos ha alentado por seguir adelante en la aventura de producir una nueva. La voluntad, el entusiasmo y la experiencia de la Compañía de Zarzuela de Mollet vuelve a dar fruto, en este caso no se trata de una zarzuela sino de una opereta. Término ambiguo puesto que no todo el mundo se pone de acuerdo dónde se encuentra realmente el umbral entre zarzuela, opereta o ópera.
Si bien podemos decir que la ópera prescinde de partes habladas, o partes exclusivamente escénicas, como es el caso del opereta y la zarzuela. El que no es tanto cierto es que la ópera tenga forzosamente más calidad que la zarzuela, puesto que un género no implica "in strictu sensu" su calidad musical ni literaria. Podemos decir que del mismo modo que hay zarzuelas de un alto nivel musical, también hay óperas muy mediocres. También puede ser la herencia de aquel tiempo en que pensábamos en que todo el de fuera era mejor que el de casa. Ahora, cuando se trata de diferenciar entre zarzuela y opereta todavía se nos hace más difícil dar elementos objetivamente definitorios. Se dice que la zarzuela es un género propio y casi exclusivamente español, mientras que la opereta nos viene de fuera. Pero si el autor es de nuestro país cómo podemos decir que nos viene de afuera?. Muchos lo justifican diciendo que la zarzuela trata temas más costumbristas y que la acción se lleva a término en lugares fácilmente reconocibles de la geografía española y la opereta emplea temas más universales y localizaciones ajenas a nuestro territorio nacional.
También la música tiene diferencias: en la zarzuela no puede faltar un aire típico como el fox, la habanera, la seguidilla, la jota o la sardana según el lugar dónde se localice la acción, mientras que en la opereta no hay ninguna referencia regionalista en los motivos musicales. Con todo, podríamos encontrar infinidades de excepciones a estos argumentos, por lo tanto, hace falta pensar que, la catalogación del género obedece más al capricho del autor que no a unas características definitorias del género en cuestión. Digo esto porque este es el caso de La Dogaresa, obra tardía del maestro Rafael Millán (fue estrenada el año 1921), en plena crisis del "género chico", y anterior a las grandes zarzuelas de Guerrero, Sorozábal o Vives entre otras, que dignificaron el género. Por lo tanto, hace falta pensar que, pusieron el nombre de opereta a la obra por dignificarla, puesto que el término zarzuela era sinónimo de obra de poca entidad, poco más que sainete.
Esta opereta no es de las más representadas, aunque tiene romances tan célebres como la del barítono del segundo acto "Un conde fue señor feudal", pero la hemos programado por varias razones: se trata de una partitura de una grande belleza y lirismo, la posibilidad de contar con una orquesta titular de la compañía que posibilita afrontar retos musicales que serian impensables con una orquesta de "bolo", y el protagonismo del corazón, que es el alma y el apoyo de la compañía.
Si bien podemos decir que la ópera prescinde de partes habladas, o partes exclusivamente escénicas, como es el caso del opereta y la zarzuela. El que no es tanto cierto es que la ópera tenga forzosamente más calidad que la zarzuela, puesto que un género no implica "in strictu sensu" su calidad musical ni literaria. Podemos decir que del mismo modo que hay zarzuelas de un alto nivel musical, también hay óperas muy mediocres. También puede ser la herencia de aquel tiempo en que pensábamos en que todo el de fuera era mejor que el de casa. Ahora, cuando se trata de diferenciar entre zarzuela y opereta todavía se nos hace más difícil dar elementos objetivamente definitorios. Se dice que la zarzuela es un género propio y casi exclusivamente español, mientras que la opereta nos viene de fuera. Pero si el autor es de nuestro país cómo podemos decir que nos viene de afuera?. Muchos lo justifican diciendo que la zarzuela trata temas más costumbristas y que la acción se lleva a término en lugares fácilmente reconocibles de la geografía española y la opereta emplea temas más universales y localizaciones ajenas a nuestro territorio nacional.
También la música tiene diferencias: en la zarzuela no puede faltar un aire típico como el fox, la habanera, la seguidilla, la jota o la sardana según el lugar dónde se localice la acción, mientras que en la opereta no hay ninguna referencia regionalista en los motivos musicales. Con todo, podríamos encontrar infinidades de excepciones a estos argumentos, por lo tanto, hace falta pensar que, la catalogación del género obedece más al capricho del autor que no a unas características definitorias del género en cuestión. Digo esto porque este es el caso de La Dogaresa, obra tardía del maestro Rafael Millán (fue estrenada el año 1921), en plena crisis del "género chico", y anterior a las grandes zarzuelas de Guerrero, Sorozábal o Vives entre otras, que dignificaron el género. Por lo tanto, hace falta pensar que, pusieron el nombre de opereta a la obra por dignificarla, puesto que el término zarzuela era sinónimo de obra de poca entidad, poco más que sainete.
Esta opereta no es de las más representadas, aunque tiene romances tan célebres como la del barítono del segundo acto "Un conde fue señor feudal", pero la hemos programado por varias razones: se trata de una partitura de una grande belleza y lirismo, la posibilidad de contar con una orquesta titular de la compañía que posibilita afrontar retos musicales que serian impensables con una orquesta de "bolo", y el protagonismo del corazón, que es el alma y el apoyo de la compañía.
Enric Azuaga
Diseño del Vestuario
El Vestuario centrado en la Venecia de principios del siglo XVIII, tiene dos partes totalmente diferenciadas. La compañía de teatro ambulante italiana, con vestidos de una cierta vistosidad, conseguida con abundancia de tejidos brillantes y ligeros en tonos pasteles y blancos por resaltar el carisma bondadoso y juguetón de algunos personajes. Dentro de la misma gama de colores, pero más oscuros, se han utilizado el terciopelo y materiales más pesados para los personajes con caracteres más malévolos.
El público de esta compañía de comediantes, formado por un conjunto de personajes de la vida cotidiana de Venecia, con diferentes oficios, gente de paso o venida de otros lugares próximos por vender sus productos. Forman, con respecto al vestuario, una imagen unificada, con una gama de colores basados en la naturaleza y un diseño más sobrio en las líneas con tejidos rústicos, sin perder por esto la imagen de diversidad.
El público de esta compañía de comediantes, formado por un conjunto de personajes de la vida cotidiana de Venecia, con diferentes oficios, gente de paso o venida de otros lugares próximos por vender sus productos. Forman, con respecto al vestuario, una imagen unificada, con una gama de colores basados en la naturaleza y un diseño más sobrio en las líneas con tejidos rústicos, sin perder por esto la imagen de diversidad.
Anna Mª Vizcarra
Diseño de las máscaras
Las máscaras están documentadas en los carnavales de Venecia que todavía conservan los tipos de las máscaras del siglo XVIII. Los cinco pajes, inspirados en los zannis tienen todos la misma fisonomía sencilla, incluida la de la Rosina la cual oculta su engaño. El bufón Miccone tiene una nariz puntiaguda y unas cejas retorcidas y divertidas como el personaje.
El espadachín Marco se inspira en Il Capitano, tiene una nariz larga que ridiculiza la arrogancia del Capitán Matamoros, l’Españoleto. Arlequino tiene una fisonomía divertida y simpática, el avaro, en cambio, tiene una nariz estrujada, ojos de malvado y cejas sencillas que resaltan su carácter malicioso.
Todas las máscaras han sido trabajadas sobre un molde sacado directamente de los rostros de los actores, del cual se ha ido sacando las diferentes expresiones de cada personaje.
El espadachín Marco se inspira en Il Capitano, tiene una nariz larga que ridiculiza la arrogancia del Capitán Matamoros, l’Españoleto. Arlequino tiene una fisonomía divertida y simpática, el avaro, en cambio, tiene una nariz estrujada, ojos de malvado y cejas sencillas que resaltan su carácter malicioso.
Todas las máscaras han sido trabajadas sobre un molde sacado directamente de los rostros de los actores, del cual se ha ido sacando las diferentes expresiones de cada personaje.
Sílvia Corbella
Fòrum Abelló, amsm. La Dogaresa. Teatre Municipal "Can Gomà" de Mollet del Vallès. Marzo de 1999. Con Ramón Rodríguez, Chiqui Cerdán y Paco Farré.
La Dogaresa N. 1- Venid aquí venecianos, a comprar
Ramón Rodríguez, Chiqui Cerdán y Paco Farré.
Fòrum Abelló, amsm. La Dogaresa. Teatre Municipal "Can Gomà" de Mollet del Vallès. Marzo de 1999. Con Juan Antoni Salóm y Paco Farré.
La Dogaresa N 4 - Dúo de Micone y Zabulón
Joan Antoni Salóm y Paco Farré.
Ficha Técnica | ||
Interpretada en els papers principals per: | ||
Personajes | Voz | Intérpretes |
Marietta | Soprano | Isabel Cano |
Miccone | Barìtono | Joan Antoni Salom |
Paolo | Tenor | Josep Lluis Blanch |
Zabulón | Bajo | Paco Farré |
Marco | Tenor còmico | Ramón Rodríguez |
Rosina | Tiple còmica | Maria Pi |
| Hechicera | Chiqui Cerdán | |
Pajes | Chelo Vega Isabel Rodríguez Maribel González Pilar Arbó | |
y la coral y grupo escènico de la Asociación | ||
Dirección musical | Enric Azuaga | |
Dirección escènica | Marta Busquest | |
Diseño Vestuario | Anna Mª Vizcarra | |
Diseño Decorados | Anna Comadran | |
Coordinación general | Joan Antoni Salom | |